STEVE GUNN Daylight Daylight

STEVE GUNN öffnet mit DAYLIGHT DAYLIGHT einen weit verzweigten Raum aus akustischer Ruhe, schimmernden Details und stiller Konzentration. Die neuen Songs suchen nach Klarheit, treiben durch Erinnerung, Lichtreflexe und formen eine dichte Kontinuität.

Seit Jahren bewegt sich Steve Gunn wischen Gitarrentradition und experimentierfreudiger Kontemplation. Frühere Arbeiten führten ihn vom amerikanischen Folk in artrocknahe Gefilde, später in ambientartige Skizzen, zuletzt in das reduzierte „Music for Writers“. „Daylight Daylight“ folgt wenige Monate danach und markiert einen bewussten Richtungswechsel. Die enigmatische Ruhe des Vorgängers bleibt spürbar, verschiebt sich aber in ein vokalgetragenes Format mit klar erkennbarer songwriterischer Haltung. James Elkington übernimmt Produktion und Arrangements, ergänzt Gunn’s zurückhaltende Gitarrenfiguren mit Streichern und Holzbläsern, die sich wie feine Wolkenschichten über die Stücke legen. Beide arbeiten an einer Form, die ohne Effektsuche auskommt und sich dennoch nicht in reiner Schlichtheit verliert.

„Nearly There“ eröffnet das Album mit einer gedämpften Bewegung, die sich in ruhigem Tempo ausbreitet. Gunn’s Stimme wirkt nah und zugleich distanziert, ein beinahe sprechgesangartiges Fließen. Der Refrain mit der Zeile „Distance is growing“ bildet einen leisen Kern, der sich durchzieht. „Morning on K Road“ ähnelt einem Brief an eine verschwundene Person, getragen von plötzlichen inneren Bildern wie „Songs made of glass“. Das Stück bleibt offen, es zeigt eine fragile Unruhe, die sich nicht vollständig auflöst, auch wenn die Musik äußerlich friedlich erscheint. „Another Fade“ setzt auf impressionistische Gitarrenfarben und betont die Einsamkeit, die sich in der Zeile „I was born yesterday“ spiegelt. Im anschließenden „Hadrian’s Wall“ verbindet sich Gunn’s Songwriting mit jener britischen Folkmelodik, die seit Nick Drake und Vashti Bunyan in die Geschichte eingeglitten ist. 

Elkington’s Streicher erzeugen eine Spannung zwischen melancholischer Weite und stiller Beharrlichkeit, die dem Stück Gewicht verleiht. Die Referenzen wirken präsent, ohne die Musik zu imitieren. Die Stärke entsteht aus der Balance zwischen Erinnerung und Gegenwart. Der Titeltrack „Daylight Daylight“ nutzt Mellotron, Orgel und eine unruhige elektrische Linie, die kurz aufflackert und sich wieder zurückzieht. Die Struktur bleibt transparent, verliert jedoch an Schärfe. Ein Teil der Stücke verharrt zu lange in sanfter Bewegung, wodurch das Album zwischenzeitlich an Kontur verliert. „Loon“ bringt eine klassische Form zurück, eine fast beschwingte Transparenz, die Gunn’s Fingerpicking stärker hervorhebt. Der Schlusstitel „A Walk“ schließt den Kreis: ein gemächlicher Gang durch ein Terrain, das immer wieder schweigt und dadurch seine Intensität behauptet.

Das Albumcover zeigt eine Wasserfläche voller schimmernder Punkte, durchzogen von einem blendenden Lichtstrahl. Die Reflexe wirken wie ein Kommentar zu Gunn’s Musik, die oft in Stillstand übergeht und dennoch innere Verschiebungen auslöst. Die visuelle Wirkung des Covers betont die Idee eines Übergangs zwischen Tag und Zwielicht, ein gedämpftes Strahlen, das sich mit den zurückgenommenen Arrangements verbindet. „Daylight Daylight“ besitzt Würde und Feingefühl, jedoch fehlt stellenweise die dramaturgische Zuspitzung, die ältere Werke von Gunn trugen.