PINK FLOYD Atom Heart Mother

PINK FLOYD öffnen auf ATOM HEART MOTHER ihr Klangbild in Richtung orchestraler Weite. Die Suite zeigt eine Band im Studio im Moment der Neuorientierung. Pastoral, experimentell, ungewohnt offen.

Pink Floyd öffnen ihr Klangbild in einer Weise, die 1970 überraschend wirkt, da die Gruppe erstmals ein orchestrales Großwerk vorlegt, das jenseits üblicher Rockschemata operiert. Die Suite breitet sich wie eine suchende Konstruktion aus, getragen von Blechbläsern und Chorpassagen, die in strengeren Rahmen greifen als vieles, was die Londoner Underground-Szene bisher hervorgebracht hat. Drei kompakte Stücke auf der zweiten Seite entstehen in deutlicher Zurücknahme, bevor ein Collagenexperiment das Album in eine andere Richtung kippen lässt. Das Erscheinungsbild mit der Kuh irritiert mit Absicht, denn die Band signalisiert damit den Wunsch nach völliger stilistischer Offenheit.

Die Aufnahmen zu „Atom Heart Mother“ markieren einen Moment, in dem Pink Floyd nach einer Phase der Fragmentierung ihre Arbeit wieder stärker bündeln. Die rund 24-minütige Suite entstand aus Versatzstücken, die im Studio neu geordnet wurden: Bass und Schlagzeug mussten in einem durchgehenden Take erfasst werden, die übrigen Stimmen wurden später ergänzt. Erst Ron Geesin’s Orchestrierung gab den einzelnen Abschnitten konturierte Übergänge. Der Einsatz von Blechbläsern, Cello und dem John-Alldis-Chor führt zu einem ungewohnten Kräfteverhältnis, da die Rockband diesmal eher als rhythmische Schicht agiert. Die Fanfaren im eröffnenden „Father’s Shout“, die weicheren Linien der mittleren Abschnitte und die collageartigen Einschübe von „Mind Your Throats Please“ erzeugen einen ständigen Wechsel aus Spannung und pastoraler Ruhe. 

Die Studioästhetik des Jahres 1970 prägt das Ergebnis: acht Spuren, die neue TG12345-Konsole, minimale Schnittmöglichkeiten, dazu Entscheidungen, die das Album hörbar von handwerklicher Arbeit im Maschinenraum des EMI-Gebäudes erzählen. Die B-Seite versammelt drei kompakte Stücke, die jeweils aus der Feder eines Bandmitglieds stammen. „If“ wirkt mit seiner akustischen Gitarre und leiser Stimme wie ein Versuch, Introspektion in den Raum des Folk zu übertragen. Rick Wright’s „Summer ’68“ setzt auf eine klare Tastenführung und kurze Bläsereinsätze, die den Song in einen helleren Ton rücken. „Fat Old Sun“ wendet sich der Folk-Ballade zu, getragen von einer zurückhaltenden Stimme und einem Gitarrenpart, der spät aufblüht. 

Das abschließende „Alan’s Psychedelic Breakfast“ verschiebt die Wahrnehmung vollständig: Tropfen, Küchengeräusche, Gesprächsfetzen und ruhige Instrumentalpassagen verbinden sich zu einer Studie über Alltagsrhythmen. Im Kontext des Albumcovers – einer Kuh auf weiter Wiese, fotografiert ohne Symbolik – gewinnt diese Offenheit an Bedeutung. Die Gruppe lässt bewusst jede Assoziation ans Psychedelic-Image fallen und zeigt stattdessen ein neutrales, fast beiläufiges Motiv, das wie ein Kommentar zur Weite des orchestralen Materials wirkt und zugleich die Einfachheit der ländlichen Szenerie den ambitionierten Studioexperimenten gegenüberstellt.