LAIBACH MUSICK

In grellem Neonlicht zelebrieren LAIBACH auf ihrem neuen Album MUSICK die totale Überforderung durch eine von Algorithmen und Künstlicher Intelligenz geprägte Popkultur. Das slowenische Kollektiv verwandelt sich mit einer hyperaffirmativen Geste in eine Eurodisco-Maschine, die den ästhetischen Kollaps der Gegenwart als tanzbare Sensation inszeniert.

Der programmatische Entschluss, die eigene industrielle Vergangenheit zugunsten eines hochglanzpolierten Europop-Entwurfs zu tilgen, markiert keine bloße Genre-Variation, sondern eine strategische Unterwanderung. Laibach operieren auf „MUSICK“ mit den Waffen der totalen Bejahung, indem sie die Mechanismen der zeitgenössischen Aufmerksamkeitsökonomie nicht mehr nur kommentieren, sondern physisch besetzen. Diese Neuausrichtung manifestiert sich als eine Form der ästhetischen Mimikry, die so perfekt ausgeführt wird, dass die Grenze zwischen kritischer Distanz und dem Sog des Banalen absichtsvoll verschwimmt.

Die visuelle Ebene des Albums radikalisiert diesen Befund, indem sie Musik als eine Form der intravenösen Abhängigkeit inszeniert. Das Cover zeigt einen Arm, in den eine leuchtende Spritze injiziert wird, während der Schriftzug „MUSICK“ in grellem Pink darüber schwebt – eine klinische, fast schon gewaltsame Darstellung von Konsum. Hier bricht die Pose der Authentizität endgültig zusammen; die Musik wird zum Serum in einer Welt, die an ihrer eigenen Übersättigung erkrankt ist. Es ist die Visualisierung jener im Titel angedeuteten Sickness, die uns in die Pflicht nimmt.

Musikalische Mittel werden konsequent in den Dienst dieser hyperaffirmativen Haltung gestellt. In „Allgorhythm“ assimilieren Laibach die repetitive Logik von TikTok-Hooks und paaren sie mit der klanglichen DNA eines Eurovision-Beitrags, während Richard X für eine Produktion sorgt, die jede Sperrigkeit konsequent glättet. Die strategische Einbindung von Johann Pachelbel’s Kanon dient dabei als Schablone für die Austauschbarkeit moderner Pop-Strukturen. Wenn Milan Fras in „Fluid Emancipation“ Selbstoptimierungs-Mantras intoniert, wirkt die Musik nicht wie eine Begleitung, sondern wie die funktionale Umgebung eines digitalen Erschöpfungszustands.

Selbst Momente, die oberflächlich nach Genre-Zitaten klingen, folgen dieser kühlen Logik der Systemanalyse. „Luigi Mangione“ nutzt Western-Elemente und Electro-Country weniger als atmosphärische Bereicherung, sondern als Mittel zur Defragmentierung von Narrativen über Überwachung und Widerstand. Es bleibt eine kalkulierte Kälte in der Darbietung, die selbst in den tanzbarsten Passagen des Titelstücks „Musick“ spürbar ist. Dort wird die Reibung zwischen technoidem Minimalismus und orchestralen Versatzstücken auf die Spitze getrieben, um die Musik als ein Schlachtfeld zu markieren, auf dem die menschliche Stimme zunehmend gegen ihre eigene algorithmische Verwertbarkeit ankämpft.

Diese radikale Hinwendung zum Pop erscheint als die einzig mögliche Antwort auf eine Gegenwart, in der Originalität durch unendliche Reproduktion ersetzt wurde. Das Album verweigert sich der nostalgischen Rückschau auf industrielle Härte und wählt stattdessen die Flucht nach vorne in die totale Künstlichkeit. Am Ende steht mit „Das göttliche Kind“ eine strukturelle Verunsicherung, die die Frage aufwirft, wie Musik klingen kann, wenn sie sich von der bloßen Kopie des Antrainierten emanzipiert. Laibach hinterlassen ein Werk, das die ästhetische Konsequenz seiner eigenen Verortung bis zur Schmerzgrenze ausreizt.