Zwischen neonfarbener Reizüberflutung und nostalgischer Apokalypse: Wie GOOSE mit ihrem neuesten Werk die Grenzen des modernen Jam-Rocks zwischen Synth-Pop-Ästhetik und eklektischer Improvisationswut völlig neu vermessen.
Ein knallgelber Hintergrund, darauf in blockhaftem, grellem Magenta der Titel: Das Cover verweigert jegliche organische Intimität und setzt stattdessen auf eine bewusste visuelle Künstlichkeit, die die ästhetische Neuausrichtung des darauf befindlichen Songmaterials perfekt transportiert. Diese kalkulierte Reizüberflutung bricht mit den gewohnten visuellen Codes klassischer Jam-Bands. Sie kündigt eine Platte an, die sich nicht mehr in erdigen Folk-Wurzeln bewegt, sondern die totale Überforderung der Gegenwart in eine künstliche, beinahe hysterische Pop-Hülle der achtziger Jahre kleidet.
Diese stilistische Transformation zeichnete sich bereits im vergangenen Jahr ab, als die Band nach dem Ausstieg von Gründungsdrummer Ben Atkind mit Cotter Ellis eine rhythmische Neuausrichtung einleitete. Während die beiden 2025er Veröffentlichungen „Everything Must Go“ und „Chain Yer Dragon“ noch als unruhige Dokumente einer Übergangsphase spürbar waren, markiert das neue Werk eine konsequente ästhetische Zuspitzung. Goose nutzen die veränderte Dynamik für eine dichte, von schweren Synthesizern und treibenden Dance-Beats dominierte Klangwelt, die unter der Regie von Produzent D. James Goodwin an den Wänden von Allaire Studios gereift ist.
Die musikalische Architektur bricht gezielt mit traditionellen Songstrukturen, indem sie acht reguläre Tracks systematisch mit sieben parenthetischen Instrumentalsektionen verzahnt. In Titeln wie „Savenger“ paart sich diese klangliche Dichte mit einer lyrischen Endzeitstimmung, die den Eskapismus der tanzbaren Oberfläche konterkariert. Die Zerrissenheit der modernen Welt wird hier zur treibenden kreativen Kraft erhoben. „There’s a rattle in my brain, but lately I don’t mind!“, singt Rick Mitarotonda im Titeltrack „Big Modern!“ und formuliert damit das programmatische Mantra einer Gesellschaft, die im Angesicht der eigenen Überforderung kapituliert hat und die Katastrophe lieber auf der Tanzfläche feiert.
Besonders deutlich wird dieser Kontrast im fast dreizehnminütigen Epos „SALT“, das trotz seiner ausufernden, epischen Struktur eine bemerkenswerte formale Kontrolle behält, während das umstrittene, im neuen Gewand präsentierte „Torero“ durch massive, an Peter Gabriel erinnernde Drums besticht. Das funkige „Good2B“ fungiert in diesem Gefüge als maximalistischer Gegenpol, dessen klangliche Opulenz an der Grenze zum Pastiche kratzt, im Kontext der dichten Studio-Overdubs aber eine klare konzeptionelle Funktion erfüllt. Die Band verlässt sich nicht mehr nur auf die organische Eigendynamik ihrer Live-Jams, sondern begreift das Studio selbst als Instrument zur Erzeugung einer flirrenden, zeitgeistigen Künstlichkeit.
Der Blick auf dieses Gesamtwerk offenbart eine deutliche Verschiebung der Prioritäten innerhalb der Bandhistorie. Wo frühere Veröffentlichungen wie das 2021er „Dripfield“ noch lose nach einer Balance zwischen strukturierter Rocktradition und ausufernder Improvisation suchten, etabliert diese Veröffentlichung eine neue Epoche, in der die Grenzen zwischen Indie-Rock-Ästhetik, technischer Versiertheit und retro-futuristischem Synth-Pop vollständig eingerissen werden.
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