EAVES WILDER Little Miss Sunshine

Zwischen Shoegaze-Kaskaden und emotionaler Entwaffnung entwirft EAVES WILDER mit ihrem Debütalbum LITTLE MISS SUNSHINE eine präzise Kartografie des Erwachsenwerdens. Die zehn Stücke vereinen raue Gitarrenwände mit einer fast schmerzhaften lyrischen Intimität und markieren so eine beeindruckende ästhetische Selbstbehauptung im zeitgenössischen Indierock.

Die Entscheidung für das Unbequeme beginnt bei Eaves Wilder mit einer fast unmerklichen Verzögerung im Anschlag. Es ist diese winzige, mikrorhythmische Zurückhaltung, mit der sie in “Hurricane Girl” die erste Strophe gegen das einsetzende Schlagzeug setzt, die sofort klarmacht: Hier wird nichts dem Zufall oder einem bloßen Retrorausch überlassen. Während die Gitarrenwände, für die Co-Produzent Andy Savours eine fast sakrale Tiefe gefunden hat, eine überwältigende Dichte suggerieren, bleibt Wilder’s Stimme seltsam isoliert, fast nackt im Zentrum dieser klanglichen Sturmfelder.

Diese Spannung zwischen dem Wunsch nach Auflösung in der Natur und der schieren Unausweichlichkeit der eigenen Biografie bestimmt die gesamte Statik von „Little Miss Sunshine“. Das Albumcover unterstreicht diesen Bruch; es inszeniert eine fast schon theatrale Natürlichkeit, bei der das gleißende Licht im Schoß der Künstlerin weniger als Erleuchtung, sondern vielmehr als bewusste Störstelle fungiert. Es ist die visuelle Entsprechung zu jenem Moment in “Mountain Sized”, in dem die behauptete Größe gegen die reale Enge der eigenen Wahrnehmung ausgespielt wird. “But in my mind / I am taller than the highest mountain sides”, singt Wilder dort und markiert damit jenen Punkt, an dem die Flucht in die Abstraktion des Natürlichen an der harten Kante der Selbsterkenntnis scheitert.

Strukturell operiert das Album mit einer Dynamik, die das Leise nicht als bloßes Vorspiel zum Lauten begreift. In “English Tea” wird die Entschleunigung so radikal zelebriert, dass sie fast als Akt des Widerstands gegen die geschwätzige Welt von “Everybody Talks” lesbar wird. Wilder nutzt die Lyrics hier nicht als bloße Träger von Melodien, sondern als Werkzeuge einer fast klinischen Selbstbeobachtung. In “The Great Plains” etwa mündet die Analyse einer geschwisterlichen Idealisierung in eine Kapitulation vor der eigenen Emotionalität, die durch die klangliche Weite des Arrangements eher unterstrichen als getröstet wird.

Gegen Ende des Albums, in “Summer Rolls”, wird das Einstiegsdetail der rhythmischen Distanz erneut aufgegriffen, nun jedoch in eine fast elegische Form überführt. Die anfängliche Sturmanalyse ist einer Form von Akzeptanz gewichen, die keine Auflösung braucht. Das Album endet nicht mit einer Antwort, sondern mit der präzisen Vermessung jener Lücke, die zwischen dem Wunsch, ein unempfindlicher Berg zu sein, und der Notwendigkeit, ein fühlender Mensch zu bleiben, klafft.