Düstere Aussichten und plakative Zeigefinger trüben die gewohnte Leichtigkeit, während DIE ÄRZTE auf ihrem vierzehnten Studioalbum zwischen druckvollem Punkrock und ermüdenden Pop-Exkursen nach einer neuen Dringlichkeit suchen.
Die Snare-Drum knallt trocken, fast klinisch, und markiert den Takt für eine Produktion, die sich merklich von der Wärme früherer Tage emanzipiert hat. Es ist ein technokratischer Zugriff auf den Rock-Apparat, der jegliche analoge Nostalgie im Keim erstickt. Diese klangliche Härte suggeriert eine Schärfe, die in der kompositorischen Substanz nur noch punktuell Entsprechungen findet. Wenn der Basslauf in “KFM” den Raum flutet, dominiert eine funktionale Energie, die eher an die Effizienz moderner Indie-Produktionen erinnert als an den spielerischen Anarchismus der Berliner Diskografie.
Diese künstliche Kühle manifestiert sich auch in der visuellen Inszenierung. Das Albumcover zeigt das Trio in einer fast schon musealen Erstarrung, gehüllt in ein Chiaroscuro, das mehr über die Sehnsucht nach Relevanz verrät als über den tatsächlichen Inhalt der Lieder. Die Pose wirkt hier nicht als Schutzraum, sondern als Behauptung einer Ernsthaftigkeit, die im Widerspruch zur oft banalen Textur der Stücke steht. Es ist das Bild einer Band, die sich ihrer eigenen Historie so bewusst ist, dass die Authentizität hinter einer perfekt ausgeleuchteten Maske aus Distinktion verschwindet. Die Ärzte inszenieren hier eine Düsternis, die musikalisch oft nur als oberflächlicher Anstrich fungiert.
Strukturell leiden die 19 Titel unter einer Redundanz, die den narrativen Fluss immer wieder ausbremst. Während “Schrei” durch die manische Darbietung von Rodrigo González eine seltene, verstörende Intensität entwickelt, verlieren sich andere Passagen in einem Deutschpop-Vakuum. Besonders deutlich wird das Gefälle in den gesellschaftspolitischen Ambitionen. Wenn in “Our bass player hates this song” die Zeile “Dein Kreuz gegen Hakenkreuze, damit fängt es an” fällt, erstarrt der Song in einer didaktischen Geste, die jede künstlerische Mehrdeutigkeit opfert. Die ehemals so treffsichere Ironie weicht hier einem moralischen Imperativ, der eher an ein Flugblatt als an ein Punk-Manifest erinnert.
Tonal findet eine Verschiebung statt, die Bela B. in “Schweigen” fast konsequent zu Ende führt, indem er organische Strukturen gegen einen kühlen Synthpop-Beat eintauscht. Es bleibt das Fragment einer Band, die technisch brillanter agiert als je zuvor, deren inhaltlicher Kern sich jedoch zunehmend in Allgemeinplätzen verliert. “Dunkel” wirkt wie eine Bestandsaufnahme, die den eigenen Schatten zwar präzise vermisst, aber davor zurückschreckt, tatsächlich in ihm zu verschwinden.
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