BLONDIE Autoamerican

BLONDIE legen mit AUTOAMERICAN eine Platte vor, die weniger auf Drive zielt als auf Setzung. Die Stücke wirken wie bewusst getrennte Räume, deren Übergänge sichtbar bleiben. Statt Wärme gibt es kalkulierte Stilproben, die Distanz herstellen.

„Autoamerican“ eröffnet mit „Europa“ als programmatischem Rahmen: Orchesterflächen, die nicht tragen wollen, sondern markieren, dann ein gesprochenes Fragment über Automobilkultur, das den modernen Fetisch als Geräusch, nicht als Bekenntnis behandelt. Schon hier zeigt sich die zentrale Entscheidung dieser Platte: Sie will nicht organisch klingen, sie will gebaut sein. Nach „Eat to the Beat“ war Blondie als Maschine der präzisen Popmechanik lesbar, hier wird diese Mechanik ausgestellt, in einzelne Werkstücke zerlegt, teils mit demonstrativer Künstlichkeit poliert. Die Band agiert wie eine Formation, die Genres als Requisiten anfasst und sie im Studio unter grelles Licht stellt, ohne den Anspruch zu erheben, sie zu bewohnen.

„Live It Up“ setzt daraufhin eine glatte Discofunk-Fläche, in der die Rhythmik mehr Oberfläche als Druck ist, geschniegelt, frontal, mit dem Gefühl einer sorgfältig eingerichteten Kulisse. „Here’s Looking at You“ kippt in eine Cabaret Geste, deren Jazz und Blues Anmutung als Zitat funktioniert, nicht als intime Situation. Debbie Harry bleibt dabei die konstante Folie: nicht als emotionaler Motor, sondern als kontrollierte Linie, die sich über wechselnde Texturen legt. Selbst wenn „The Tide Is High“ als Rocksteady Cover in den Raum tritt, wirkt es weniger wie Aneignung denn wie kuratierte Stilaufnahme, hornliniert, freundlich ausgeleuchtet, so sauber, dass jede Spur von Zufall ausgespart scheint. „Angels on the Balcony“ macht aus orchestraler Popdramaturgie ein Filmstill, ein kurzer Blick in eine Stadt, die eher aus Neon und Perspektive besteht als aus Nähe. „Go Through It“ zieht die Fäden wieder straffer, mit Streichern und Arrangements, die wie Architektur wirken, groß, aber nicht zwingend.

Die zweite Seite schärft das Konstrukt. „Do the Dark“ arbeitet mit künstlicher Finsternis, in der ungewöhnliche Klangfarben wie technisches Gerät auftreten, kühl montiert, nicht sinnlich. „Rapture“ ist das auffälligste Hybridstück: Funk und Disco werden zum Träger einer Sprechpassage, die sich an den neuen urbanen Formen des Rap orientiert, ohne sich je als authentische Szene zu geben. Die Worte erscheinen als Rollenangebot, als schnell wechselnde Masken, in denen Namen, Bilder, Straßensplitter zirkulieren. Identität bleibt austauschbar, Ironie und Pose sichern Abstand. „Faces“ rückt in ein noiriges Blues-Licht, die Stimme wirkt rauchig gestaltet, nicht entblößt. „T-Birds“ spielt Roadhouse Rockabilly als stilisierte Fahrtaufnahme, mit Chören, die wie Fernsehglanz aus einer anderen Zeit hereinschneiden. „Walk Like Me“ schlägt härter zu, jedoch ebenfalls kontrolliert, als würde Aggression hier nur als Textur dienen. 

Wenn „Follow Me“ schließlich Broadway zitiert, wird der Effekt endgültig klar: Die Platte testet, wie weit sich Pop als Oberfläche treiben lässt, ohne innere Bindung zu behaupten. Das Cover rahmt diese Logik präzise. Die gemalten Fragmentierungen, grafischen Brüche und historischen Anspielungen machen aus „Autoamerican“ ein Objekt, das seine Oberfläche nicht versteckt, sondern zum Thema erhebt. Wie „Europa“ gleich zu Beginn, so setzt auch die Gestaltung auf Montage, auf sichtbare Schnitte, auf die Spannung zwischen amerikanischer Ikonografie und distanzierter Präsentation. In diesem Sinn wirken die Stücke wie Bildfelder, die nebeneinander hängen: verbunden durch Kontrolle, getrennt durch Absicht.