Bei JESSICA PRATT achtet man nur auf die Worte und dann auf die Atemzüge, die darauf folgen, die Echos, die wehmütigen Kondensstreifen, die in der Ferne verschwinden. Darin schwirren epische Geschichten herum, und es sind möglicherweise nicht unbedingt dieselben Geschichten, die sie in Worten erzählt.
Der Eröffnungstrack von Jessica Pratt’s außergewöhnlichem Debüt aus dem Jahr 2012, bewies die einzigartige Fähigkeit, ein abgenutztes Klischee in etwas Mitreißendes zu verwandeln. Allein durch die Entscheidungen, die sie als Sängerin getroffen hat. Pratt’s Verse schwelgen zuweilen in gequälten Beichtreimen – in einem aus „Night Faces“ vergießt sie „a million tears trying to dig myself out all these years“. Doch trotz des falsch-exotischen Akzents und der skurrilen, gebündelten Phrasen, die die üblichen Kadenzen von Folk und Rock meiden, rufen Pratt’s Worte Seinszustände hervor und beschreiben sie, die nuancierter sind als ihre wörtliche Bedeutung. Pratt’s erstes Album war von Anfang bis Ende mitreißend – gedämpfte, ruhige, fragile Erzählungen, durchzogen von Schimmern des unbeschwerten kalifornischen Lichts. Sie hatte die meisten Songs zu Hause in ruhigen Momenten aufgenommen und einige Stücke jahrelang in Ruhe gelassen.
Das Erste, was man über „On Your Own Love Again“ wissen sollte, ist, dass es ebenfalls selbstgemacht ist – obwohl Pratt die Atmosphäre mit Anklängen von E-Gitarre und Keyboards und herrlich dicken, widerspenstigen Regenbögen aus Gesangsharmonien, ihrer Geheimwaffe, erweitert. Pratt scheint zu verstehen, dass ihre Kunst in spärlich möblierten Räumen am besten gedeiht; Sie ist die Art von Künstlerin, die mit einem großen Budget und vielen Spielsachen im Studio den Überblick verlieren könnte. Zu viel Elektronik könnte den kristallinen Kern ihrer Songs in acht Takten oder weniger zerstören. Pratt bewahrt und erweitert die kontemplative Atmosphäre ihres Debüts und kreiert eine Reihe traumhafter Miniaturen, die gleichzeitig intim und mystisch-fantastisch wirken. Vieles von dem, was Pratt kommuniziert, ist abstrakt, elliptisch oder wortlos.
Manchmal klingt ihr kristalliner Gitarrenschlag wie eine Harfe, wobei jede Note schnell und elegant wie eine Schneeflocken fällt; Manchmal schmelzen die Lieder dahin. Auf dem astralen „Moon Dude“ macht Pratt Akkordwechsel zu einer stimmungsvollen neo-psychischen Zeitreise, wie bei Tim Presley’s eigenem White Fence-Projekt. „On Your Own Love Again“ wurde im sonnigen Gelände der Westküste aufgenommen, fängt aber die düsteren Farbtöne des isolierten Stadtlebens ein. Pratt arbeitete an der Platte nach mehreren schwierigen Schicksalen: einem Umzug von San Francisco nach Los Angeles, dem Ende einer langjährigen Beziehung und dem Tod ihrer Mutter. In „Game That I Play“ bringt sie zum Beispiel zum Ausdruck: „I often try to leave my thoughts of you behind“, aber ihr Wunsch bleibt unerfüllt.
Und bei „Jacquelyn in the Background“ lässt sich Pratt ähnlich treiben und ringt um die richtigen Worte: „Deep inside my lonely room/ I cry the tears of never knowing you“. „On Your Own Love Again“ hat ernstere Momente, aber seine ungeschönte emotionale Unsicherheit ist tiefgreifend und nachvollziehbar. An anderer Stelle beschwören Pratt’s strenge Meditationen Verwirrung, Unrecht und illusorische Realitäten herauf. Sie singt von einsamen Außenseitern und Jungen mit sternenklaren Augen, die sie lieben möchte, es aber hörbar nicht kann. Pratt versteht ihre eigenen Fehler und scheint daher auch die anderer besser zu verstehen; es ist humanisierend. Sie rügt vielleicht die illoyalen Tricks und Lügen eines Mannes, weist aber auch auf ihre eigenen hin: „I don’t wanna be changing the game that I play“, singt Pratt gleich zu Beginn, „But I see that you’re leaving, so what can I say.“
Sie vertuscht ihre Fehler nicht. Der Titelsong, ein 95-sekündiger Epilog, erscheint zuletzt auf der Platte und ist der konfessionellste Song des Albums – „I try to believe in you somehow/ But every time I do I get down and out“. Das Wort „Liebe“ in „On Your Own Love Again“ könnte ein Substantiv sein, das nach außen zeigt, oder ein Verb, das nach innen zeigt, aber es hat trotzdem eine Art, das Alleinsein zu romantisieren, wie es das Album durchgehend in impressionistischeren Begriffen tut. Es mag bedeutsam sein oder auch nicht, dass die Lieder nach dem Tod ihrer Mutter aufgenommen wurden, aber sie übermittelt Worte über Trennungen und Einsamkeit mit einer seltsam beruhigenden Gelassenheit: dem traumhaften Glanz einer Ruhe nach einem Sturm.
