Was ihre Alben angeht, ist BUT HERE WE ARE vielleicht das kathartischste der FOO FIGHTERS, aber es ist auch eines ihrer besten und eine würdige Hommage an den verstorbenen, großartigen Taylor Hawkins.
In einer der großartigsten Kreationen der Foo Fighters, „Times Like These“, schrieb Dave Grohl über die zackige und ungewisse Zukunft der Band. Im Kern geht es um die Botschaft der Akzeptanz, dass unsere dunkelsten Momente irgendwie mit Gnade gepaart werden können und dass die schlechten Dinge, die uns passieren, unserem Leben einen Sinn geben können. Auf „But Here We Are“, dem elften Album der Foo Fighters und ihrem ersten nach dem Tod von Taylor Hawkins im Jahr 2022, setzt sich Grohl aktiv mit dieser Idee auseinander. Vielleicht spielt es keine Rolle, dass wir angesichts des verzehrenden Schmerzes wieder lernen, zu leben und zu lieben. Vielleicht spielt nichts davon eine Rolle.
Die Band trauert nicht nur sehr öffentlich um Hawkins, Grohl trauert auch in aller Stille um seine Mutter Virginia Grohl, und obwohl es keine offizielle Ankündigung gibt, kommt „But Here We Are“ mit einer herzlichen Widmung an seinen ehemaligen Bandkollegen und seine Mutter. Während des gesamten Albums grübelt Grohl über Trauer und die Botschaften, die wir uns selbst sagen – der Sturm wird vorübergehen, nichts Gutes währt ewig, alles, was wir lieben, wird alt – aber nichts davon scheint hängen zu bleiben. Trotz der Rückkehr des Starproduzenten Greg Kurstin, Grohl’s Chanukka-Konzertfreund, bewerben die Foo Fighters die neue LP als eine Rückkehr zur klanglichen „naiveté“ ihres selbstbetitelten Debüts – das Grohl selbst geschrieben und aufgenommen hat.
Die Umstände sind sicherlich parallel. Damals wie heute litt Grohl unter dem Tod eines Bandkollegen. Der Unterschied besteht darin, dass „But Here We Are“ diesen Verlust direkt thematisiert und Hawkins nur knapp namentlich nennt. Die meisten oder alle der zehn Lieder handeln direkt vom Trauerprozess. Wie zu erwarten ist, gibt es in „But Here We Are“ jede Menge Herzschmerz. Im stotternden Akustik-Track „The Glass“ spricht Grohl Klartext: „I had a person I love / And just like that, I was left to live without him.“ „Hearing Voices“ ist eine Gothic-Synthesizer-Pop-Nummer, die an „Everlong“ erinnert und sanft ausklingt, während Grohl fleht: „speak to me, my love“.
Es fühlt sich jedoch nie völlig elend an. Das gesamte Album vermittelt die gleiche Dringlichkeit wie das wilde „Wasting Light“ von 2011, wobei die Band in jedem Track nach lauter Katharsis sucht. Unterwegs gibt es viele extravagante Gitarrensoli, Arena dominierende Hooks und schwindelerregende Breakdowns. Die erste Single „Rescued“ ist eine fröhliche, gemeinschaftliche Rockhymne, die den Eindruck erweckt, sie sei speziell für die Live-Show geschrieben worden; Der Surf-Rock von „Under You“ ist einer der unmittelbarsten Songs, die sie je veröffentlicht haben: „I think I’m getting over it, but there’s no getting over it“, singt Grohl. Im Großen und Ganzen ist es eine schöne Ergänzung zum Foo Fighters-Katalog – aber das ist nicht der Sinn dieses Albums.
Ihre mutige, gefeierte Blütezeit erstreckt sich über das 20. und 21. Jahrhundert und niemand erwartet von ihnen, dass sie diese übertreffen. Stattdessen ist dies eine Erinnerung daran, dass die Foo Fighters eine Band sind, die größer ist als jedes einzelne Mitglied – einschließlich Grohl. Sie sind eine Rockband, die auch dann, wenn es hart auf hart kommt, weiß, dass es einen Job zu erledigen gibt und dass es keinen besseren Weg gibt, mit dem Leben umzugehen, als ein paar klingende Akkorde zusammenzustellen und die dunklen Wolken zu vertreiben.
