Meara O’Reilly – Hockets for Two Voices

Der Name Hocketing kommt vom französischen Wort „hoquet“ oder „hiccup“. Obwohl er häufig mit geistlichen Liedern des europäischen Mittelalters in Verbindung gebracht wird, entstand die rhythmische Praxis aus afrikanischen Gesangs- und Instrumentaltraditionen. Hocketing ist bis heute ein beliebter, wenn auch ehrgeiziger, vokaler oder instrumentaler Ansatz. Dieses anhaltende, sorgfältig geprobte Spiel des musikalischen Ping-Pong ist in verschiedenen zeitgenössischen Genres zu finden, von moderner Klassik über Funk bis hin zu Indie-Rock. 

Meredith Monk hat die Technik verwendet, um einen komplexen stimmlichen Balanceakt zu erzeugen. David Longstreth von Dirty Projectors ist ein außerordentlich leidenschaftlicher Fan von Hockets und verwendet häufig Zwitschern, oder die call-and-response Gesangs-Arrangements. Die Verbreitung von Hocketing über Zeit und Kultur, vom balinesischen Gamelan über ghanaische Flöten bis hin zu mittelalterlichen Motetten, verdeutlicht seine universelle Anziehungskraft.

O’Reilly’s Interesse an Hockets begann mit einer Faszination für die auditive Wahrnehmung. Ausgehend von ihrer Erfahrung mit der Entwicklung einer App, die 2-D-Geometrie zur Erzeugung von Rhythmusmustern und zum Entwerfen von Grafiken für Björk’s Biophilia-Tour, studierte sie, wie Hocketing in der Vergangenheit eingesetzt wurde und beschloss, das Format weiter voranzutreiben. 

“I feel a little like an outsider in some ways,” gibt sie zu, “in the sense that I didn’t come from a conservatory background. I was very much steeped in experimentalism and noise music in college. More recently I’ve found myself crossing over in the other direction, where I’m learning to write for orchestral instruments. I really love the focus and discipline and attention to listening that’s present in classical music, where you have the careful rehearsal of these perfect, beautiful little elements. I’m interested in merging both of these perspectives in my work.”

„Hockets for Two Voices“ besteht aus sieben Akten mit einer Länge von jeweils weniger als zwei Minuten. Die Aufnahme dauerte jedoch ein Jahr und erforderte eine Stimmpräzision, die O’Reilly an physikalische Grenzen brachte, die sie noch nie zuvor erkundete und noch viel weniger verstanden hätte. Manchmal kann jede Stimme für sich eine ungewöhnliche Folge von Sprüngen in Tonhöhe und Rhythmus sein. Das Ergebnis, das in der musikalischen Kognition als Pseudopolyphonie bezeichnet wird, ist die Wahrnehmung, dass mehr Stimmen im Spiel sind als in der Realität. 

Beim Schreiben dieser Stücke ließ sich O’Reilly vom psychoakustischen Forscher Albert Bregman inspirieren, der demonstrierte, wie die Grenzen unserer Wahrnehmungsprozesse unser Musikerlebnis aktiv beeinflussen können. Letztlich ist das Album eine sehr faszinierende Angelegenheit. Wo es sich weigert, in seinen einzelnen Kompositionen einen Kreis zu drehen, formuliert es seine Kernthese in Bezug auf die Konsistenz der Klangfarben auf allen sieben Tracks. Es wird immer zwei Stimmen geben, die eine undurchdringliche Wahrheit wiedergeben.