LAURA MVULA’s Zwillingsmusen sind Liebe und Natur, und sie erkundet ihre Ungewissheit und Möglichkeiten durch theatralische Charakterstudien und Doo-Wop-geladene Rave-Ups.
Es gibt keinen Mangel an am Konservatorium ausgebildeten britischen Soul-Sängerinnen (siehe Adele und Amy Winehouse), aber man sei versichert, dass man noch nie ein Album wie das Debüt von Laura Mvula gehört hat. Die 26-jährige Absolventin des Konservatoriums von Birmingham verschmilzt jazzige Melodik, Pop-Balladen, orchestrale Schnörkel und flehenden Gospel zu erstaunlicher Wirkung – ihre makellos gestaltete Platte klingt wie Jill Scott, Feist, Tune-Yards und eine Filmmusik aus den 1940er Jahren, die gleichzeitig auf einem alten Grammophon ihre Runden drehen. Dies sind Glücksbomben aus geballten Gesangsharmonien, mutigen melodischen Ausflügen und einem ganzen Orchester, das nur in Fragmenten spielt, wenn es wirklich darauf ankommt.
Bezeichnenderweise gibt es bis zum fünften Song weder ein Klavier noch eine Gitarre – die traditionellen Arbeitswerkzeuge des Songwriters – was darauf hindeutet, dass Laura’s Ideen Takt für Takt ausgearbeitet werden, anstatt in einem Moment der Inspiration eingeschlagen zu werden. In den ruhigeren Momenten dreht sich alles um winzige Details, einen Doublebass-Herzschlag, ein Schnörkel aus Blechbläser und gelegentliche Röhrenglocken. Dann lässt sie hin und wieder eine Flut von Stimmen los und wirft ein schillerndes Schauspiel aus kaleidoskopischem Licht in alle Richtungen. Ein Nebeneffekt dieser makellosen Arrangements ist, dass, wenn Mvula sie entfernt, zum Beispiel für das Herzstück des Albums „Father, Father“, dieser Effekt verblüffend ist.
Die erste Hälfte gruppiert ihre Armee von Stimmen neu und baut auf Bugge-Wesseltoft-artigem Klavier auf, aber sie fallen weg und lassen nur Mvula zurück, solo und begleitet von nackten, emotionalen Akkorden. Sie wendet sich an ihren entfremdeten Vater und übergeht dieselbe unbeantwortbare Frage: “father please don’t let me go/ Father father, why you let me go?” (nachdem sie ihn zuvor aufgefordert hatte, “let me love you”), der den intensivsten Moment des zentralen lyrischen Themas des Albums liefert – die Suche nach der Erlaubnis zu lieben oder geliebt zu werden. „Diamonds“ ist eine vorsichtige, weitläufige R&B-Ballade mit minimalistischen Momenten.
Es ist vielleicht nicht das passende Ende für ein so emotionales, episches Album voller intensiver Intimität und Wunder der natürlichen Welt, aber in seiner düsteren Zerbrechlichkeit liegt immer noch Schönheit. „Sing to the Moon“ ist ein kühnes und schönes Debüt: luftig und dicht, dunkel und hell, Soul und Jazz.
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