ANNA OF THE NORTH Dream Girl

ANNA OF THE NORTH entfaltet auf DREAM GIRL ein Spiel aus Selbstbehauptung, ironischer Leichtigkeit und schimmernder Pop-Intimität, das zwischen innerer Zerrissenheit und sanfter Aufbruchsstimmung pendelt. 

Die norwegische Musikerin Anna Lotterud, die seit 2014 unter dem Namen Anna of the North veröffentlicht, bewegte sich lange im Spannungsfeld zwischen elektronisch getönter Popmelancholie und behutsam skandinavischer Zurückhaltung. Mit dem Ausstieg von Produzent Brady Daniell Smith stand sie plötzlich allein vor der Aufgabe, ihr eigenes Projekt weiterzuführen. Die Interviews, die sie rund um „Dream Girl“ gab, deuten auf eine Phase radikaler Neuorientierung. Sie beschreibt Sessions voller Unsicherheit, verworfene Experimente, Nächte des Ausprobierens hinter verschlossenen Türen. Die Vorstellung, im Studio laut zu singen und Ideen ungeschützt preiszugeben, bereitete ihr Unbehagen, trotzdem veränderte sich einiges, sobald sie die passenden Kollaborationspartner gefunden hatte. Die neue Offenheit spürt man in den Arrangements, die in vielen Momenten lebendiger und heller wirken als auf dem Debüt.

Der Titeltrack umkreist das Ideal einer erträumten Version des eigenen Selbst. Lotterud formuliert den Wunsch, im inneren Gleichgewicht zu leben. Zwischen Tagtraum und Realitätsabgleich entsteht ein Popstück, das unter der schillernden Oberfläche einen beständigen Selbstzweifel mitträgt. „In my dream world I’m still your dream girl“ zitiert die Sehnsucht nach einem vergangenen Zustand, während der Refrain gleichzeitig mit ironischem Charme spielt. Die Energie dieses Songs kehrt in „My Love“ wieder. Der leichte Disco Impuls wirkt einladend, die Melodieführung greift auf siebziger Jahre Elemente zurück, ohne sich an reine Nostalgie zu verlieren. „Leaning on Myself“ öffnet einen anderen Raum. Der Basslauf schiebt, die Stimme wirkt konzentriert, die Zeilen erinnern an den schmalen Grat zwischen Befreiung und Orientierungslosigkeit. Der Song gewinnt an Stärke, weil er nicht verklärt, sondern den Moment des Übergangs festhält.

In „Reasons“ unterstützt Charlie Skien die fragile Grundspannung mit zurückhaltenden Vocals. Die Produktion bleibt bewusst reduziert, sodass Lotterud’s Stimme stärker ins Zentrum rückt. Die Balance gelingt: ein Duett, das nicht auf Harmonie pocht, sondern stattdessen eine brüchige Zweisamkeit abbildet. „Thank Me Later“ zeigt eine unbekümmerte Seite, der Funkimpuls bringt Leichtigkeit ins Album, trotzdem bleibt im Hintergrund ein Rest Unsicherheit spürbar, der die Oberfläche durchzieht. „When R U Coming Home“ berührt durch seine schimmernden Synth Flächen. Der Song tastet sich tastend an eine Hoffnung heran, die im Text nicht eingelöst wird, aber im Klang kurz aufleuchtet. Die Stärke von „Dream Girl“ liegt in der Art, wie Lotterud ihre widersprüchlichen Anteile nebeneinander stehen lässt. Der Überraschungsmoment entsteht weniger durch stilistische Sprengkraft, sondern durch die Offenheit, mit der sie eigene Brüche benennt. 

Das Album wirkt deshalb insgesamt stimmiger als „Lovers“, das trotz hübscher Achtziger Jahre Referenzen häufig glatter ausfiel. „Dream Girl“ besitzt mehr Kontur, weil die Songs einer Persönlichkeit folgen, die sich weder zur reinen Popfigur verklärt noch in introspektiver Ernsthaftigkeit verharrt. Das Albumcover liefert einen eigenständigen Kommentar zu dieser Bewegung. Die Künstlerin sitzt auf einem verbeulten gelben Wagen, trägt große weiße Flügel und blickt in eine flirrende Landschaft aus Hitze und Staub. Diese Mischung aus Fantasie und Ruine spiegelt die Spannweite des Albums. Die ironische Überzeichnung wird nicht zur Maske, sondern zum Vergrößerungsglas für eine Phase, in der Rollenbilder befragt und Grenzen neu gesetzt werden. Die Flügel suggerieren Freiheit, der Schrottplatz erzählt etwas über die Fragilität des Aufstiegs.

„Dream Girl“ ist kein makelloses Werk. Manche Arrangements kreisen zu lange um ihren Kern, manche Melodien verlieren sich etwas im luftigen Popgewand. Trotzdem formt sich ein kohärentes Album, das eine Künstlerin zeigt, die ihre innere Spannung produktiv nutzt. In den besten Momenten leuchtet eine klare musikalische Vision auf, getragen von einer Stimme, die nicht überstrahlt, sondern präzise und nah bleibt.