Die Zeit steht still, wenn man sich aufregt. Am Rande der mentalen Überlastung gibt es einen Moment der Offenbarung – ein Standbild, in dem alles auf neue Weise zusammenpasst. Logik löst sich auf, Paralogik regiert. Und in diesem prekären Moment wird die Welt fixiert, verzerrt und erneuert. David Byrne’s Texte zu TALKING HEADS’ FEAR OF MUSIC sind paralogische Visionen, die mit fast kindlicher Direktheit vorgetragen werden.
Talking Heads‘ „Fear Of Music“ könnte Radiohead’s „OK Computer“ sein, ebenfalls ein drittes Album, auf dem sie sich von einer großen Post-Nirvana-Gitarrenband zu etwas unendlich Fremdem und Reicherem hinwandten. „Fear Of Music“ der Talking Heads erschien 1979 und startete mit dem afrikanischen Rhythmus-Experiment „I Zimbra“. Zusammen mit den darin unsinnigen Texten des Dichters Hugo Ball, fühlten sich die ersten Minuten nach Aufbruch an. Obwohl sich „Fear of Music“ musikalisch von seinen Vorgängern unterscheidet, lag es hauptsächlich an der Verwendung der Moll-Klaviatur, die der Musik einen bedrohlicheren Klang verlieh. Zuvor waren David Byrne’s unkonventionelle Beobachtungen durch einen überaus humorvollen Tonfall unterlagert worden. Auf „Fear of Music“ war er immer noch komisch, aber nicht mehr so lustig. Gleichzeitig ist die Musik noch zwingender geworden.
Zudem ist bemerkenswert, dass die Talking Heads bei ihrem dritten Studioalbum die Bass-unterstützte Intensität der Disco Musik verwendeten. “We like some disco,” so schrieb es Sänger David Byrne in die Fußzeile zu „Once in a Lifetime: The Best of the Talking Heads“. “Some of it was radical, camp, silly, and disposable.” Die Verwendung afrikanischer Polyrhythmen, die Einbeziehung von Funk und Disco und die kontinuierliche Erforschung der aufkeimenden Punkszene durch die Band sind wichtig, wenn wir diese als historisch verachtete Genres erkennen. Punk war Arbeiterklasse; es war hässlich und laut. Funk und Disco waren Genres, die von schwarzen, lateinamerikanischen und schwulen Zuhörern bevorzugt wurden. Sie waren Ausdruck von Freude und Sinnlichkeit.
Als berühmtestes Lied des Albums (und erste Single) malt „Life During Wartime“ das Bild einer dystopischen, vom Krieg zerrissenen Gesellschaft und eines einsamen Protagonisten, der versucht, mit Erdnussbutter zu überleben, Waffenbotschaften weiterzugeben und Erinnerungen an Musik, Partys und den Mann, der er einst war, in sich weiterleben zu lassen. Die Strophe “This ain’t no party, this ain’t no disco, this ain’t no fooling around,” ist eine der berühmtesten der Band, und die militanten Funk-Percussion-Linien des Songs machen es zu einer Einöde, zu der es sich verdammt gut tanzen lässt. „Fear of Music“ ist ein Album voller Warnungen: In fast jedem Song bricht Byrne in die Songs ein, um die schlechten Nachrichten zu überbringen. “Don’t look so disappointed. It isn’t what you hoped for, is it?”, singt er in dem Bowie-artigen „Memories Can’t Wait.”
“This is the verdict they reach: never listen to the electric guitar,” fordert er in „Electric Guitar“, es ist „a crime against the state.” Selbst die gütigsten Untertanen sind voller Sorge: „Air“, singt er, „can hurt you too,“ Nicht einmal seine eigenen Gedanken sind sicher. Byrne spricht zu den Menschen, die Musik weiterhin als Bedrohung für die moralische Haltung gesunder Köpfe ansehen. “Is this a crime against the state? No!” Aber es ist nicht alles Finsternis. „Mind“ und „Paper“ sind starke Brücken zwischen „More Songs About Buildings And Foot“ und „Fear of Music“ und darüber hinaus, driftende, luftige Stücke, in denen Byrne die Noten dehnt und zerdrückt, wie es ihm gerade so passt. Was „Fear of Music“ zu einem so perfekten dritten Album machte, ist, dass es sowohl auf das zurückgreift was war, als auch die Grundlage für das legte, was kommen würde. Sogar ein leicht zu übersehender Song wie „Heaven“ mit seinem gefühlvollen, straßenmüden Näseln bot dem sieben Jahre später folgenden „True Stories“ einen fruchtbaren Nährboden.
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