Destroyer – Labyrinthitis

Indie Pop, VÖ: April 2022
Was an LABYRINTHITIS verblüffend ist – neben der Tatsache, dass es das aufrechtste ist, was DESTROYER seit Jahren veröffentlicht hat – wie wenig er sich in dieser hergestellten Welt oder dem Status quo der Musik eingewickelt fühlt. Stattdessen konzentriert er sich mehr denn je auf sich selbst.

Obwohl „ Labyrinthitis“ so maximalistisch sein mag wie alles andere in Bejar’s umfangreichem Katalog, enthält es lyrisch Momente von exquisiter Ökonomie. Der Mann, auf den man sich vor 15 Jahren noch verlassen konnte, um berauschende Wortströme zu speien, wird sich jetzt viel eher der Macht des Weglassens oder einer gut platzierten Pause hingeben. Obwohl Bejar einen soliden Rahmen für seine Musik gesetzt hat, fügt er jeder seiner Platten subtile Akzente hinzu, die sie von ihren Vorgängern unterscheiden. „Poison Season“ von 2015 hatte den von Springsteen verschuldeten „Dream Lover“, und „Destroyer’s Rubies“ von 2006 enthielt das gedämpfte, Singer-Songwriter-ähnliche „Painter In Your Pocket“. Bejar findet immer Wege, die Dinge aufzurütteln und dabei den Kernsound von Destroyer beizubehalten: fesselnder Indie-Rock mit einer Prise zerebralem, poetischem Humor. Da ist die erste Single „Tintoretto, It’s for You“, unbestritten einer der aggressivsten Songs, die Bejar je geschrieben hat. Hier klingt er schärfer, nicht in Bezug auf geschicktes Können, sondern in einem Gefühl von brodelndem Unbehagen.

Musikalisch sind alle Einzelelemente sinnvoll, werden aber eher kunstvoll zusammengefügt, Fugen und Nähte offen gelassen. Die ersten paar Sekunden des Albums sind ein absoluter rhythmischer Autounfall, bevor „It’s In Your Heart Now“ sich in einen Goth-Spaziergang verwandelt, melancholische Synth-Flächen alles in einen dichten Nebel hüllen und eine leise euphorische Manzanera-Gitarre bei der Drei-Minuten-Marke aufsteigt. Bejar war schon immer ein kryptischer Songwriter, aber auf „Labyrinthitis“ scheint er darauf bedacht zu sein, Assoziationen anzuhäufen, bis sie über die eigentliche Bedeutung hinausreichen. Mit einer Hand laden die Songs zu Versuchen ein, ihre unzähligen Rätsel und Tangenten zu entschlüsseln; mit dem anderen stoßen sie dich weg und schwelgen in Desorientierung. „June“ endet mit zweieinhalb Minuten koksbestäubter Disco und übermäßigen Fluss an Wortzitaten, dessen fragmentarische Bilder – „Scrapyard Angel/Wings of Brass/Ash/A River called Trash“ – durch Burrough’s-ähnliche Schnitte weiter zerlegt werden. 

Bestimmte Phrasen versiegen dabei und andere gehen in zufällige Refrains über. “Fancy language dies and everyone’s happy to see it go,” singt er in „June“ -wenn es überhaupt noch einem konventionellen Lied ähnelt. Am Ende erscheint diese Zeile wie ein Omen. Bejar’s Kampf um Kohärenz setzt sich durch die dadaistische Umkehrung von „Eat the Wine, Drink the Bread“ fort, einem überstimulierten Rhythmus, bei dem er jemandem rät, “everything you just said was better left unsaid.” Vielleicht redet er mit sich selbst. Das Album endet wunderschön. „The States“ besteht ausschließlich aus nebligen Keyboards und hüpfenden Drums. Gerade als man denkt, dass dies das Ende ist, kommt „The Last Song“, ein kleines Liedchen mit der Aufrichtigkeit, die Lou Reed bei „Goodnight Ladies“ hinbekommen hat. Es ist schön und bewegend, auch wenn es anscheinend nichts sagt. Das Thema des Songs bewegt sich nach Los Angeles und wir sehen, wie sie „falsch“ Hallo und Auf Wiedersehen sagen, aber es ist schwer zu sagen, ob der Track abfällig oder liebevoll ist. Vielleicht ist es beides.

Es ist ein anmutiger Abschluss für eine Platte, die Bejar dabei zeigt, sich von einem bloß bewundernswerten Künstler zu einem Künstler zu entwickeln, der auf einer tieferen Ebene zugänglich ist. Diese Musik geht in den Kopf und erzeugt eine Stimmung, die sich beinahe unerträglich zart anfühlt.

8.3